El arte funciona como un índice de lo que es vivir en nuestra época… Danto
Este ensayo hace referencia al estado del arte actual y se concentra en el análisis fenomenológico de la escultura de niebla del Museo Guggenheim Bilbao y su realizadora, la artista japonesa Fujiko Nakaya. El arte digital y las nuevas tecnologías como la utilizada en esta escultura, permiten experimentar el arte de manera distinta, ser parte de la instalación e interactuar con la obra. La escultura de niebla, F.O.G., se forma y se desintegra constantemente, adquiriendo diversas formas de acuerdo a las condiciones del ambiente y de la hora del día, produciendo diversas sensaciones en el espectador.
Palabras clave: arte contemporáneo, arte digital, escultura de niebla, tecnología, inmersión.
This paper refers to the state of contemporary art and focuses on the analysis phenomenological of Guggenheim Museum Bilbao’s fog sculpture and her maker, Japanese artist Fujiko Nakaya. The digital art and new technologies as used in this sculpture, allow experience art differently, be part of the installation, and interact with the work. The sculpture fog, FOG, is formed and decays steadily, acquiring various forms according to environmental conditions and time of day, produce different feelings in the viewer.
Keywords: contemporary art, digital art, sculpture fog, technology, immersion.
Así como “moderno” ha llegado a denotar un estilo y un periodo y no simplemente un arte reciente, “contemporáneo” ha llegado a designar algo más que el arte del presente. No designa un periodo sino lo que pasa después de que ha terminado el relato legitimador del arte, no es un estilo, sino una manera de utilizar los estilos.
Danto afirma que el arte que se produce actualmente es post-histórico, cualquier cosa que se hubiera hecho antes puede ser hecha ahora. Lo contemporáneo –afirma- es un periodo de información desordenada, una condición perfecta de entropía estética, semejante a una casi perfecta libertad: “todo está permitido”. La transición histórica desde el modernismo al arte pos-histórico la sitúa en la década de los setenta.
Hoy cualquier cosa puede ser arte… sin embargo no todo es arte. Las instituciones deciden lo que es arte, y el arte también puede crear instituciones. De acuerdo con Danto, la estética y el arte han terminado, eso significaría que un sueño de la humanidad en el que había un componente estético ha terminado. Existen muchas expresiones artísticas pero ya no existe “El Arte”. Un mundo artístico ha llegado a su fin y otro ha comenzado, el problema, nos dice Danto, es la continuidad, si el Arte ya no existe, ¿qué cambia cuando tiene lugar la discontinuidad? Una respuesta natural a esa pregunta podría ser un estilo… sin embargo, “una señal de que el arte terminó es la de que ya no existe una estructura objetiva para definir un estilo”[1]. Todo es posible, esta es la condición objetiva del arte post-histórico, no hay nada que remplazar, se puede ser cualquier cosa: expresionista, abstracto, hiperrealista o artista digital.
Los artistas se han liberado de la carga de la historia y son libres para hacer arte en cualquier sentido y con cualquier propósito, o sin ninguno. El gran paradigma tradicional de las artes visuales, el de la mímesis, ha sido superado. “Ésta es la marca del arte contemporáneo y, en contraste con el modernismo, no hay nada parecido a un estilo contemporáneo”[2].
Sin embargo, como escribió en 1922 Heinrich Wölfflin en el prólogo de la sexta edición de sus Conceptos fundamentales en la historia del arte, “Aún el talento más original no se puede adelantar más allá de ciertos límites fijados para él por la fecha de su nacimiento. No todo es posible en todos los tiempos…”[3]. Mattisse expresó una idea similar en sus conversaciones con Teriade: “Las artes tienen un desarrollo que no viene sólo de un individuo, sino de toda una fuerza adquirida: la civilización que nos precede. …No somos dueños de nuestra producción; la producción no es impuesta”[4].
El surgimiento del arte digital sólo ha sido posible a raíz del desarrollo de nuevas tecnologías, que han permitido la utilización de dispositivos que permiten crear obras en las que el espectador puede incluso quedar inmerso en ella o interactuar con la obra de arte en sí.
- Fujiko Nakaya. Nuage de Mer. Esplana de F. Mitterand. Lille, Francia.
Nakaya es la primera artista que trabaja la niebla como elemento escultórico[5].Combina el agua, la atmósfera, las corrientes de aire y el tiempo para dar forma a sus obras. Sus esculturas de niebla, efímeras y que requieren ser experimentadas, muestran cierta afinidad con el arte conceptual y el Land Art, pero sobre todo vinculan el arte, la tecnología y la historia.
La obra de Nakaya realizada con niebla, que ella considera como un medio de transmisión de luz y sombra, similar al video, surgió del interés que ella denomina “descomposición” o “proceso de desintegración”, que analizó cuando estudiaba arte en los Estados Unidos. Después de volver a Japón a finales de los 50 gustaba de pintar flores marchitas y series de nubes, que expresaban su fascinación por los fenómenos naturales que “se forman y se disuelven incesantemente”[6].
La artista realizó su primera escultura de niebla cuando fue miembro de Experiments in Art and Technology (E.A.T.), organización dedicada a facilitar y promover la colaboración entre ingenieros y artistas. Esta organización fue fundada en 1967 por Robert Rauschenberg, entre otros, y a quien Nakaya conoció durante una visita del artista americano a Tokyo. En 1970, la E.A.T., diseñó el Pabellón Pepsi-Cola para la expo celebrada en Tokyo, la primera exposición internacional realizada en Asia, y que se convirtió en un hito para los artistas vanguardistas japoneses. Con ayuda de la E.A.T., Nakaya, decidió envolver el pabellón en niebla, hazaña que logró con la ayuda de Thomas Mee, un físico atmosférico. La tecnología desarrollada para este proyecto ha servido de base para las posteriores obras de la artista.
La escultura no. 08025, conocida como F.O.G., fue realizada en 1998; la obra fue encargada por Rauschenberg[7] para que coincidiera con la inauguración de su retrospectiva en el Museo Guggenheim de Bilbao en 1999. F.O.G., significa Frank O. Gehry; poco después de la inauguración, Rauschenberg adquirió la escultura y la donó al museo. La Escultura de Niebla no. 08025 está ahora instalada de manera permanente en el estanque que se encuentra junto a la sinuosa fachada de titanio que da a la ría. Allí, la niebla marca el contraste entre el agua ondulante de la base y la serpentina pared reflectante que le sirve como telón de fondo. La escultura hace que estas superficies sean variables, móviles y mutables. La escultura de niebla F.O.G., es una escultura que se forma con agua pulverizada producida artificialmente, por mil toberas y un motor de bombeo de alta presión. Cada hora, durante cinco minutos, se forma y se disipa en la atmósfera y como dice Nakaya, “es al mismo tiempo un fenómeno y un artefacto, un precario dinamismo… del equilibrio de la naturaleza”[8].
- Fujiko Nakaya. Escultura de Niebla 08025 (F.O.G.) 1998. Agua-Niebla. Donación de Robert Rauschenberg. Fachada norte, Museo Guggenheim Bilbao.
El arte contemporáneo no tiene la obligación de ser original, aunque en este caso sí lo es. La nueva noción de producción consiste en seleccionar, como en este caso, el dispositivo adecuado para la creación de la obra. El arte contemporáneo es un arte liberado que se puede exponer fuera del museo. La escultura de niebla F.O.G., interactúa con la arquitectura del museo, permitiendo la combinación del vapor de agua con la estructura metálica.
La post-modernidad es la época de los sueños, del arte sin forma. La escultura de Nakaya no tiene forma, no puede tocarse, no puede repetirse, siempre está cambiando, moviéndose. Las nuevas tecnologías permiten superar la razón del sujeto, romper el encerramiento por medio de dispositivos tecnológicos. El instrumento y la inteligencia de acuerdo con Danto, abren el camino hacia el arte conceptual. Lo que sucede en el arte actualmente tiene que ver con la forma como vivimos ahora.
En nuestros tiempos, arte, es lo que impacta, aquello que nos permite sorprendernos, constituye una crítica a la estandarización. El arte contemporáneo se permite la experimentación, selecciona herramientas y realiza un plan de producción. El arte digital, el que no puede hacerse con las manos, muestra el dispositivo con el que ha sido producido, muestra sus entrañas, el esquema de su propia creación. El arte se vierte sobre la vida cotidiana. Las esculturas de niebla de la artista japonesa se reproducen en espacios públicos en donde es posible introducirse en ellas, y experimentarlas plenamente. La obra envuelve al espectador en una sensación y forma irrepetibles, pues es imposible que las condiciones atmosféricas puedan volver a repetirse exactamente.
La experimentación de la obra puede realizarse desde diversos sitios de acuerdo a las condiciones del viento, ya sea desde la terraza o debajo del puente, la niebla envuelve al espectador y le refresca o le produce una sensación de frío según la hora y la estación del año en que experimente la escultura. La obra tiene la capacidad de expandirse, de diluirse y por supuesto, de desintegrarse ante los ojos del público.
- Estanque del Museo Guggenheim Bilbao, Maman y Puente de la Salve.
Danto, Arthur. Después del fin del arte. El arte contemporáneo y el linde de la historia. Ediciones Paidós, Barcelona, 2010.
Debray, Regis. Vida y muerte de la imagen. Historia de la mirada en Occidente, Ediciones Paidós, Barcelona, 1994.
Lyotard, Jean Francoise. La condición postmoderna. Informe sobre el saber, Ediciones Minuit, Ed. Cátedra, Madrid, segunda edición, 1991.
Nakaya, "Fog Sculpture #08025: Water Fog Guggenheim Museum Bilbao", documento no publicado, 1990, archivos del Museo Guggenheim Bilbao, sin paginar.Disponible en: http://www.guggenheim-bilbao.es
[a] Maestra en Estética y Arte, profesora-investigadora de tiempo completo adscrita al área académica de Artes Visuales del IA.
[1] Arthur Danto. Después del fin del arte. El arte contemporáneo y el linde de la historia. Ediciones Paidós, Barcelona, 2010. Capítulo 3, p. 77.
[2] Danto, op. cit. p. 42.
[3] Heinrich Wölfflin. Principies of Art History: The Problem of the Development of Style in Later Art, Nueva York, Dover Publications. p. IX, citado por Arthur Danto.
[4] Henri Matisse. “Ideas comentadas por Teriade” en Reflexiones sobre el arte, 1977, p. 147. Citado por Arthur Danto, op. cit. pp. 77.
[5] Fujiko Nakaya, nació en 1933 en Sapporo, Japón. Estudió en la Northwestern University, en Evanston, Illinois. Durante los primeros años de su carrera trabajó principalmente en videoarte. Actualmente vive y trabaja en Japón.
[6] Nakaya, en Tsukamoto Yoshiharu y Momojo Kajima, "Materiaru 4, mizu/kiri, gesuto Nakaya Fujiko, kiri no chokoku-ka" (Material 4, agua/niebla: entrevista con Fujiko Nakaya, escultora de la niebla), Kenchiku bunka Cultura arquitectónica nº 563, septiembre de 1993, pp. 143-50.
[7] Robert Rauschenberg (1915-2008,) pintor y artista estadounidense que alcanzó notoriedad en 1950 en la transición del expresionismo abstracto al Pop-Art, del que se considera uno de los principales representantes. .
[8] Nakaya, "Fog Sculpture #08025: Water Fog Guggenheim Museum Bilbao", documento no publicado, 1990, archivos del Museo Guggenheim Bilbao, sin paginar.