La enseñanza-aprendizaje de la música de cámara: la metodología MEMOSOLF
DOI:
https://doi.org/10.29057/ia.v14i27.15268Palabras clave:
Música de cámara, MEMOSOLF, enseñanza-aprendizaje musical, memoria musical, creatividad musicalResumen
Este artículo analiza la aplicación de la metodología MEMOSOLF (Metodología para el Desarrollo de la Memoria Musical y la Creatividad en el Aprendizaje del Solfeo) en el proceso de enseñanza-aprendizaje de la asignatura Música de Cámara. Concebida originalmente para el solfeo, MEMOSOLF ofrece herramientas didácticas innovadoras que permiten desarrollar la memoria musical, la escucha activa, la improvisación creativa y la comprensión estructural de las obras. Su implementación en el contexto pedagógico de la música de cámara favorece una formación más integral del estudiante, al estimular competencias colectivas como la memoria musical compartida, la coordinación auditiva y visual, y la expresividad colaborativa. La metodología propone un enfoque interdisciplinario que integra elementos del análisis musical, la interpretación, el solfeo y la creatividad, contribuyendo a un aprendizaje significativo, activo y emocionalmente enriquecedor. Se concluye que MEMOSOLF constituye una alternativa efectiva y actualizada para enriquecer los procesos formativos en esta asignatura, ampliando los horizontes pedagógicos de la enseñanza musical contemporánea.
Descargas
Información de Publicación
Perfiles de revisores N/D
Declaraciones del autor
Indexado en
- Editor y comité editorial
- perfiles
- Sociedad académica
- N/D
Para obtener más información sobre un dato, haga clic 
PF es mantenido por el Public Knowledge Project
Citas
Ausubel, D. P. (1963). The psychology of meaningful verbal learning. New York: Grune & Stratton.
Bauer, W. I. (2014). Music learning today: Digital pedagogy for creating, performing, and responding to music. New York: Oxford University Press.
Berry, W. (1986). Form in music: An examination of traditional techniques. New York: Prentice Hall.
Biasutti, M. (2015). Creativity in ensemble contexts. In G. E. McPherson (Ed.), The child as musician: A handbook of musical development (2nd ed., pp. 478–493). New York: Oxford University Press.
Blum, D. (1986). The art of quartet playing: The Guarneri Quartet in conversation with David Blum. Ithaca: Cornell University Press. Cross, I. (2010). Musicality and the human capacity for culture. Musicae Scientiae, 14(1), 147–167.
Davidson, J. W., & King, E. C. (2004). Strategies for ensemble practice. In A. Williamon (Ed.), Musical excellence: Strategies and techniques to enhance performance (pp. 105–122). Oxford: Oxford University Press.
Garnett, L. (2013). Choral conducting and the construction of meaning: Gesture, voice, identity. Farnham: Ashgate.
Gaunt, H., & Westerlund, H. (2013). Collaborative learning in higher music education. Farnham: Ashgate. 53 Publicación semestral, Magotzi Boletín Científico de Artes del IA, Vol. 14, No. 27 (2026) 46-54
Green, D. M. (1997). Form in tonal music: An introduction to analysis. Belmont: Wadsworth Publishing.
Green, E. A. H. (2004). The modern conductor (7th ed.). Upper Saddle River: Pearson.
Grout, D. J., & Palisca, C. V. (2010). Historia de la música occidental (9.ª ed.). Madrid: Alianza Editorial.
Hallam, S. (2010). The power of music: Its impact on the intellectual, social and personal development of children and young people. International Journal of Music Education, 28(3), 269–289.
Hargreaves, D. J., & Marshall, N. A. (2003). Developing identities in music education. Music Education Research, 5(3), 263–273. Holmes, W., Bialik, M., & Fadel, C. (2022). Artificial intelligence in education: Promises and implications for teaching and learning. Boston: Center for Curriculum Redesign.
Jellison, J. A. (2015). Including everyone: Creating music classrooms where all children learn. New York: Oxford University Press. Kerman, J. (1967). The Beethoven quartets. New York: W. W. Norton & Company. [18] Koopman, D. (1967). The string quartet: A study in the development of musical form. New York: Columbia University Press.
Luckin, R., Holmes, W., Griffiths, M., & Forcier, L. B. (2016). Intelligence unleashed: An argument for AI in education. London: Pearson. Pozo, J. I., Bautista, A., & Torrado, J. A. (2006). Nuevas formas de aprender en la educación musical. Madrid: Graó.
Radice, M. A. (2012). Chamber music: An essential history. Ann Arbor: University of Michigan Press.
Rogoff, B. (1990). Apprenticeship in thinking: Cognitive development in social context. New York: Oxford University Press.
Rosen, C. (1997). The classical style: Haydn, Mozart, Beethoven. New York: W. W. Norton & Company.
Salavuo, M. (2008). Social media as an opportunity for pedagogical change in music education. Journal of Music, Technology and Education, 1(2–3), 121–136.
Sawyer, R. K. (2006). Group creativity: Musical performance and collaboration. Psychology of Music, 34(2), 148–165.
Schiavio, A., & Høffding, S. (2015). Playing together without communicating? A pre-reflective and enactive account of joint musical performance. Musicae Scientiae, 19(4), 366–388.
Swanwick, K. (1999). Teaching music musically. London: Routledge.
Tilmouth, M. (n.d.). Chamber music. En The New Grove Dictionary of Music and Musicians (ed. online). Oxford University Press. https://www.oxfordmusiconline.com
Tobón, S. (2013). Metodología de la formación basada en competencias. Bogotá: Ecoe Ediciones.
Vygotsky, L. S. (1978). Mind in society: The development of higher psychological processes. Cambridge, MA: Harvard University Press. Young, P. (2015). Ensemble musicianship: A comprehensive guide to rehearsing and performing. Oxford: Oxford University Pr
Descargas
Publicado
Cómo citar
Número
Sección
Licencia
Derechos de autor 2025 Tibets Serguei
Esta obra está bajo una licencia internacional Creative Commons Atribución-NoComercial-SinDerivadas 4.0.
